物质性的记忆：时间与蜕变之美学
The Memory of Materiality: Time and Transformation
展期：2025年04月26日—06月18日
开幕：2025年04月26日 16:00
策展人：朴惠涓、洪智恩
艺术家：朱金石、沈文燮（Shim Moonseup）、川俣正（Tadashi Kawamata）、申美璟（Shin Meekyoung）
地点：当代唐人艺术中心｜北京市朝阳区酒仙桥路2号798艺术区D06
本次展览汇集四位亚洲艺术家作品，探索物质性与时间及多重关系的交互作用。朱金石、沈文燮、川俣正、申美璟以各具特色的物质性创作，呈现独特观念世界，强调物质性是生成意义的能动因素。This exhibition brings together the works of four Asian artists to explore the interaction between materiality, time, and multiple relationships. Zhu Jinshi, Shim Moonseup, Tadashi Kawamata, and Shin Meekyoung create with distinctive materiality, presenting unique conceptual worlds and emphasizing that materiality is an active factor in generating meaning.
当代唐人艺术中心荣幸将于4月26日下午4点在北京第一空间推出群展“物质性的记忆：时间与蜕变之美学”，汇集朱金石、沈文燮（Shim Moonseup）、川俣正（Tadashi Kawamata）、申美璟（Shin Meekyoung）四位亚洲重磅艺术家的作品，探索物质性如何与时间及多重关系交互作用，呈现艺术家们以各具特色的物质性为基石所建构的独特观念世界。
艺术与物质性之间的关系，往往水乳交融、难以分割。然而在当代艺术中，物质性不仅作为构成元素出现，亦演变为构建作品基本内涵的重要观念。材料不再是承载表达的被动媒介，而是站在艺术构思的起点，化作承载转化、解构、记忆与时间性的语言。
朱金石通过高度物质性的作品唤起流动性。他在油画作品上层层堆砌厚重颜料，放大材料本身的能量与质感，使绘画不仅作为视觉媒介存在，更作为构建层叠肌理与空间的物质存在。颜料密布、色彩重叠，营造出雕塑般的空间感，拓展绘画与雕塑的边界。他用这种方式解构并重塑颜料的物质性，以绘画的结构形式探讨流动与凝固之间的相互作用。他亦精心调控笔触与表层肌理，将材料内在的律动与张力转化为官能性的绘画体验。他的作品并未在静态视觉形式中止步，而是随着观者移步换景，不断消融转化，从而呈现多重感官体验。他还将对物质性的探索延伸至装置创作，尤其在大型装置作品中，材料不仅是雕塑元素，更是积淀时间与记忆的有机体。他将数千张宣纸层层折叠，用于构建大型装置，以传统材料打造峰峦迭起，突破平面，激活空间，邀请观者以身入境。在东方哲学语境下，作为书画媒介的宣纸是延续记忆与历史的载体。在朱金石的装置作品中，宣纸则承载着东方哲学的深厚底蕴，化作展现经验与时间沉淀的媒介。每一张宣纸都由艺术家精心折叠，在反复堆叠中，物质材料自塑其形。因此，他的装置艺术不仅仅是雕塑作品，更是物质痕迹与时间积淀共同出演的空间化实践。他不仅在画布上展现，更在空间中实践物质的自主性及其转化潜力。无论是厚重的油画作品还是宏大的宣纸装置，他的作品都在强调物质材料不仅是表现手法，更是生成意义的能动存在。在他的艺术实践中，从未出现静止的物质——材料始终处于时间与空间关系的流动中，持续生成新的秩序，继而扩展体验感知的可能性边界。
沈文燮长期透过雕塑与绘画创作探索物质性的根本力量及其动态关系。从早期的陶土雕塑到后来的绘画实践，他始终强调材料的肌理属性，揭示材料如何在塑造形式的同时，生成观念上的意义。这种探究同样体现在他的绘画创作中，他将油画与丙烯的物理特性化作艺术实验场域，利用两者碰撞时产生的张力与阻力，展开材料间的动态对话。在他的作品中，油画与丙烯不只是彰显色彩或塑造表面效果的工具，而是活跃于创作现场的能动材料。油画颜料与丙烯黏稠度不同，干燥时间也不一样，性质差异使得画面出现裂痕、叠层与扰动——这些并非随机效果，而是物质材料自我逻辑的自然显现。这不仅仅是绘画手法，更是雕塑性绘画，艺术家在材料自主转化的过程中施加干预并予以回应。颜料沉积，又经刮除与重塑，画布不再是再现视觉的载体，更成为材料碰撞与重组的新秩序。沈文燮由此拓展了绘画作为二维媒介的边界，引入雕塑性的思维，探索材料性本身的自主性与可变性。
川俣正的作品呈现出强烈的建筑感与结构特征，他以物质材料为媒介，再造城市空间与环境。他使用木材与废弃物等不规则日常材料，不仅凸显其物性，也关注其社会与历史语境。在川俣正的作品中，材料不仅仅是构成形式的工具，也承载了社会关系与城市历史演变的痕迹。尤其在**《**毁灭》系列中，他运用废弃材料展现工业化与城市化进程中遗留下的残片与废墟。这些材料被从原有功能与语境中解构，再在新的框架中重组，视觉化地表达出材料物性与历史时间性之间的张力。他的装置作品不仅是静态的物理结构，而是充满时间与记忆积累的空间。他通过对废弃材料的重组，既揭示了时间的流逝，也挖掘了材料内在的潜能与能量。物质性在他的装置中，成为碎片化与分散物聚合互动的场域，生成新的关系。对于川俣正而言，材料是拥有记忆的自主存在，而他所建构的结构为空间提供了观众可以亲身穿行与感知的体验性场景。在不断的积累与解构中，他持续探索建构与崩解之间的边界。在他的实践中，材料性不仅关乎空间的塑造，更是对人与空间关系持续变动的哲学反思。他的作品强调，材料不仅是雕塑媒介，更是一种与时间和记忆相互交织的社会与哲学存在。
申美璟的创作以“肥皂”这一易逝与可变的材料，探索雕塑的物质性与时间性。不同于传统雕塑对永恒的追求，她以柔软且易溶解的肥皂，揭示雕塑在“存在”与“缺席”、“稳定”与“转化”之间的张力。她的雕塑借用古典雕像的形式，解构并重组了原作与复制、永恒与短暂、存在与消失之间的微妙关系。材料性在申美璟的创作中起到了核心作用。传统雕塑以形式的永恒性为前提，而申美璟的作品则拒绝固化，转而拥抱变化本身。她提出对雕塑本质的根本性质疑：如果传统雕塑通过形式的永存来定义“存在”，那么她的作品则通过变化与消解，赋予雕塑新的记忆与意义。当雕塑在时间中逐渐腐蚀与消融，这一过程不单是物质的消耗，而是时间与记忆渗透入作品的过程。她的雕塑在物质性与时间之间游移，在存在与缺席之间徘徊，提示观众：雕塑不仅仅关乎维持静态形态，更关乎以变化的有机体存在于时间之中。此外，她的作品亦与环境展开对话，通过与空间的互动获得新的意义。肥皂的变化速度与方式，取决于作品所处的环境——湿度、气流，甚至观众的存在，均成为雕塑转化的重要因素。由此可见，雕塑不再是固定的再现，而是材料与外部条件交织的持续过程。最终，她的雕塑并不追求完整性，而是将变化与消解的行为纳入作品本身。通过这种方式，申美璟挑战了雕塑的传统观念，促使我们重新思考材料与时间的双重维度。
本次展览强调，物质性不仅是表达载体，更是生成意义的能动因素。朱金石、沈文燮、川俣正与申美璟的作品揭示，材料可以超越其物理属性，参与记忆、痕迹、时间性与关系之间的构建。海德格尔在区分“物”（Ding）与“作品”（Werk）时指出，艺术作品不仅是物体，更是揭示存在本质的空间。德里达提出的“差异”概念则强调，从未有过固化不变的“意义”，“意义”始终处于生成与漂移状态。参展艺术家的创作实践与上述哲学命题遥相呼应，展现材料在转化、消解与重构过程中生成意义的整套机制。
展览“物质性的记忆：时间与蜕变之美学”向世人宣告，藉由感知与触觉体验，艺术可以转化为存在与哲学反思的现场。物质性永远不会陷入静滞，而是在时间与关系的流动中无休无止地解读与转化。四位艺术家以雕塑性语言，邀请我们围绕物质性、存在、时间性与转化的多重维度开展深入思考。
关于艺术家
朱金石
朱金石，1954年出生于中国北京。作为二十世纪中后叶崛起的一代亚洲当代艺术重要实践者，朱金石实验性的尝试涵盖广泛。在战后和冷战东西方文化激宕的历史洪流中，不懈地推动着亚洲经验，并成为了其中一部分。艺术家自1979年参与中国最早的当代艺术运动——星星美展，80年代的抽象绘画探索和“公寓艺术”，并于1986年移居德国并见证了柏林墙的倒塌，90年代开始装置艺术实验，以及千禧年以后中国抽象新表现主义绘画与大型装置艺术实践。
抽象绘画一直是朱金石的创作主体之一，艺术家寻视着战后以来诸多艺术类型之间的美学缝隙与板块运动，在抽象主义、东方主义、装置艺术、观念艺术、大地艺术之间的斡旋和抗争中，宏观思考着绘画的当代性问题。朱金石不是一个概念主义者，而是形式美学发明者：画缝、厚度、观看角度、流动、挤压、颜料的物质性、空间等视觉形式形塑了他绘画的独特面貌。艺术家不断地寻找新的视觉边界，制造着意外的美学。
朱金石多次举办国内外重要展览，他的主要个展有《太原行》，山西省当代美术馆，太原（2025）；《谁的家园》，Yan Art，北京（2024）； 《西山的风》，壹美美术馆，北京（2024）；《绘画社会学》，当代唐人艺术中心，北京（2023）；《意外美学》，当代唐人艺术中心，首尔（2022）；《李白雪》，当代唐人艺术中心，香港（2020）；《木·字》，南池子美术馆，北京（2020）；《时间的船/拒绝河流》，当代唐人艺术中心，北京（2018）；《甘家口303》，艺术门，上海（2018）；《颜料的空缺》，艺术门，新加坡（2017）；《朱金石》，元典美术馆，北京（2016）；《朱金石》，Blum & Poe画廊，纽约（2016）；《颜料的演绎》，中间美术馆，北京（2015）等。
他的部分群展包括第60届威尼斯国际艺术双年展，威尼斯（2024）；《中国当代艺术三部曲：超越伤痕》，韩国釜山美术馆，韩国釜山（2020）；《绵延—变动中的中国艺术》，北京民生现代美术馆，中国北京（2020）；《AND NOW》，白兔美术馆， 澳大利亚悉尼（2020）；《物之魅力：当代中国材质艺术》（2020），芝加哥大学斯玛特美术馆和莱特伍德659空间，美国芝加哥；《开幕展》，鲁贝尔美术馆，美国迈阿密（2019）；《物之魅力：当代中国材质艺术》，洛杉矶郡美术馆，美国洛杉矶（2019）；《红色童话：白兔中国当代艺术收藏》，维多利亚国立美术馆，澳大利亚墨尔本（2019）；《抽象以来：中国抽象艺术研究展》，上海民生现代美术馆，中国上海（2016 ），《中华廿八人》，圣安东尼奥艺术博物，美国圣安东尼奥和旧金山亚洲艺术博物馆，美国旧金山（2015）；《Alone Together》，Rubell家族收藏展，美国迈阿密（2013）；《超设计》，第五届上海双年展，上海美术馆，中国上海（2006 ）；《定向：第四届伊斯坦布尔双年展》，土尔其伊斯坦布尔（1995）；《中国前卫艺术》，柏林世界文化宫，德国柏林（1993）；《第二届星星画展》，中国美术馆，中国北京（1980）；《第一届星星画展》，北京北海公园画舫斋，中国北京（1979）等。他的作品被海内外众多国际公共机构及私人收藏。
沈文燮（Shim Moonseup）
沈文燮（Shim Moonseup），1943年生于韩国统营，是韩国当代雕塑和装置艺术的先驱，他以“自然”和“时间性”作为作品的核心元素，不断探索如何超越标准化的艺术流派和媒介，以无限的艺术可能性来感知和表达他的主题。他在海外获得了广泛认可，曾于2007年被授予法国艺术与文学勋章(骑士级)，并在1981年获得第二届亨利·摩尔大奖展的优秀奖。
在1970年代，深受极简主义艺术家李禹焕和 Monoha（物派）运动的影响，沈文燮使用石头、纸张、树干和钢板等简单、原始的素材，以最小化自身干预的方式，将观者的注意力集中在自然与人造元素，以及材料与空间之间的关系上。多年来，沈文燮的艺术创作超越了3D装置，并在2000年代转向油画创作，他认为油画与雕塑有着根本的重叠之处。展出的作品如The Presentation ，通过重复和堆积的笔触，唤起了他童年海边波浪潮汐的记忆。
沈文燮在20世纪60年代和1970年代初期，通过获得韩国重要国家美术展的奖项而崭露头角。他于 1971年至1975年连续三届参加巴黎双年展，以及1975年圣保罗双年展和1976年悉尼双年展，逐渐引起国际关注。1981年，他在日本获得亨利·摩尔大奖赛的首奖，并在1970年代至1990年代期间，在日本举办了15场个展。沈文燮是首位受邀在巴黎皇宫展出作品的韩国艺术家，该场地曾展出过丹尼埃尔·比朗和妮姬·德·圣·法勒等著名雕塑家的作品。在漫长而杰出的职业生涯中，沈文燮始终在世界各地持续创作和展出雕塑作品，并曾在巴黎、东京和北京等城市举办展览。他的作品奠定了他在国际艺坛的地位，展现出跨越数十年的卓越成就。
他的作品被海内外多家重要艺术机构收藏，如韩国国立现代美术馆、首尔美术馆、三星美术馆 Leeum(首尔)、韩国独立纪念馆、首尔奥运会雕塑公园、韩国戏剧中心、韩国世宗表演艺术中心、韩国仁川雕塑公园、箱根雕塑公园(日本)、三马室外雕塑艺术博物馆（日本）和法国国家艺术中心(FNAC，巴黎)等。
2023年，沈文燮的作品《Opening Up》（1974-75）参加了《唯有青春：1960年代至1970年代的韩国实验艺术》群展，该展览在韩国首尔的国立现代美术馆(MMCA)举行，随后在纽约所罗门·R·古根海姆博物馆展出。
川俣正（Tadashi Kawamata）
川俣正（Tadashi Kawamata），1953 年出⽣于⽇本北海道，是⼀位享誉国际的艺术家，以其创新性的装置艺术著称。他擅⻓利⽤废弃材料，尤其是⽊材，创作探索现实与幻想交汇的作品。他于 1979 年毕业于东京艺术⼤学，并于1982 年代表⽇本参加威尼斯双年展，由此获得国际认可。此外，他还参与了卡塞尔⽂献展 8（1987）、卡塞尔⽂献展 9（1992）以及明斯特雕塑项⽬（1997），进⼀步巩固了他在全球艺术界的地位。
川俣正的艺术实践强调“场域特定性”，他精⼼挑选与作品所在地历史⽂化相契合的材料，使其作品与周围环境产⽣深刻对话。他的装置通常以有机形态呈现，打破传统的都市景观，促使建筑、社会与艺术之间形成互动。其代表性项⽬包括 《东京进⾏时》（2010）及《肖蒙城堡项⽬》（2011），这些作品通过与当地社区的合作，营造沉浸式的艺术体验。
在他的职业⽣涯中，川俣正屡获殊荣，其中包括 2014 年被授予法国艺术与⽂学勋章（Officier del’Ordre des Arts et des Lettres），以表彰他对当代艺术的重要贡献。此外，他曾在东京艺术⼤学 和巴黎美术学院任教，培养了众多新⽣代艺术家。
川俣正的作品被多个国际公共收藏机构收录，并在全球重要艺术机构展出，彰显了他在艺术领域的持续影响⼒。他的近期展览依然⼴受瞩⽬，展现了他对艺术与环境边界的不断探索。精选个展包括：《肖蒙城堡项⽬》 ，肖蒙城堡，法国，2011；《东京进⾏时》，东京艺术⼤学，⽇本，2010；《⽔下世界》，图恩美术馆，瑞⼠，2006；《进⾏中的作品》，阿尔⻉蒂娜博物馆，奥地利，2002；《椅⼦之道》，圣路易礼拜堂，法国，1997；《明斯特雕塑项⽬》，明斯特雕塑展，德国，1997；《威尼斯双年展》 ，⽇本馆，意⼤利，1982。精选群展包括：《卡塞尔⽂献展9》，卡塞尔，德国，1992；《卡塞尔⽂献展 8》，卡塞尔，德国，1987；《圣保罗双年展》 ，圣保罗现代美术馆，巴⻄，1987；《成为的空 间》 ，K21 北莱茵-威斯特法伦艺术馆，德国，2005；《建筑与记忆》，卡地亚当代艺术基⾦会，法国，2001。
申美璟（Shin Meekyoung）
申美璟（Shin Meekyoung）1967 年出⽣于韩国清州，先后在⾸尔国⽴⼤学获得雕塑学⼠（BFA）和硕⼠（MFA）学位。1990 年代中期，她赴英国伦敦⼤学学院（UCL）斯莱德美术学院（Slade School of Fine Art）深造，并⾃此⻓期往返于伦敦与⾸尔之间⽣活和创作。
申美璟的艺术实践深植于对⽂化翻译与再诠释的探索。⾃1997年以来，她将“翻译”作为核⼼主题，以肥皂精⼼再现⻄⽅经典雕塑、东⽅佛教造像以及陶瓷器物。尽管这些作品在外观上与原作极为相似，但其材质——易逝且可消耗——与传统雕塑所强调的永恒性和权威性形成了鲜明对⽐。这⼀创作⽅式对真伪、⽂化迁移以及物品脱离原始语境后的意义转换提出了根本性的思考。
2004 年，她发起了“厕所计划 ” （Toilet Project），这⼀⻓期进⾏的参与式艺术项⽬已持续发展⼆⼗余年。她将肥皂雕塑放置在公共洗⼿间中，供⼈们使⽤，待其逐渐消耗后再收集并展出。该项⽬以不断变化的互动⽅式，挑战了传统艺术价值和艺术完整性的概念，并曾在⾸尔、伦敦、上海等地的主要艺术机构与⽂化场所展出。
除了“翻译”系列与“厕所计划”之外，她的实践还涵盖 “⻛化计划”（Weathering Project）、“巨⽯系列”（Megaliths Series）、“绘画系列”（Painting Series）和 “ 幽灵系列”（Ghost Series），持续探讨材料性与转化的议题。她的最新作品曾在费城艺术博物馆（Philadelphia Museum of Art）举办的《东⽅神祇降临》（Eastern Deities Descended）展览中展出，该展览探讨了东⽅神祇降临当代世界的概念，深⼊挖掘东⽅神话与⽂化遗产，拓展了她对历史诠释与当代认知的对话。
申美璟的作品曾在费城艺术博物馆、⾸尔市⽴美术馆（SeMA）、北⾸尔美术馆、韩国国⽴现代美术馆（MMCA）、⼤英博物馆、台北当代艺术馆（MoCA）、布⾥斯托博物馆与美术馆、成⾕美术馆等国际重要机构展出。2013年，她⼊围“韩国艺术家奖”（Korean Artist Prize），并在2015年荣获“Prudential Eye Awards 最佳新兴艺术家奖”（Best Emerging Artist）。
