绘画的维度
Depictura
展期：2025年09月06日—10月25日
艺术家：德克斯特·达尔伍德(Dexter Dalwood)、范·海诺斯(Van Hanos)、赵刚
地点：里森画廊·上海｜上海市黄浦区虎丘路27号201室
三位艺术家实践穿梭于超写实主义、抽象表现和想象的现实之间，构建的二维绘画世界承载三维空间与虚拟维度能力，探索介于二维与三维之间的可能性。Three artists’ practices move between hyperrealism, abstract expressionism and imagined reality, constructing 2D painting worlds that承载 3D spatial and virtual dimensional capabilities, exploring possibilities between 2D and 3D.
群展「绘画的维度」(Depictura) 带来三位艺术家的作品，包括德克斯特·达尔伍德 (Dexter Dalwood)、范·海诺斯 (Van Hanos) 和赵刚。三位艺术家的实践穿梭于超写实主义、抽象表现和想象的现实之间，所构建的二维绘画世界承载了三维空间与虚拟维度的能力。本次展览通过体现艺术家们各不相同的表达手法，聚焦平面和纵深两极之间发生的变化，以此探索介于二维与三维之间的可能性。
赵刚的作品连接着庞大繁杂的文化根系，受到古典与现代、西方与中国的多重影响，将图案和理念呈现在解构式的画面语境之中。赵刚自1980年代在海外留学和生活的经历使得他的作品风格多元，具备鲜明的国际化特征。约在2006年回到北京后，他聚焦其独特的跨文化个人经历与历史之间的纠缠，持续在创作中探讨自身身份认同的主题。
在《鸡鸭鱼肉》(2023) 中，生禽与鱼类铺陈在铝质表面上，鲜肉闪烁着庄严而近乎神圣的光泽；剥皮的家禽整齐排列，一只鸭的脖颈轻覆在大理石般的红肉之上，四条鱼安置其下，点缀以新鲜水果，构成精心平衡的三角形构图。所选食材呼应中国传统宴席中的“四大菜肴”，象征丰盈与吉祥。通过对比例与视角的巧妙处理，赵刚将寻常的家庭景象升华为宏大而富有仪式感的画面。画布上的物体被视为一种另类的肖像，个体身份在欲望、权力，和东西方价值观的交织中被“吞噬”和重构。赵刚曾表示：“你可以把肉看做另一种肖像……做饭是纾解自己常年、常态的焦虑的一种方式……艺术家其实最重要的一个就是对自己的身份认知，这更是一个创作者富有使命的部分。我自己最大的痛苦就是身份问题，当代艺术家的任务、使命就是把自己的痛苦告诉别人，所以当代艺术不是关于美与艺术，或者哲学，而是表达自己的情绪和困惑。”
《永恒的城市》系列的创作源自赵刚自1978年首次到访青岛后积累的对这座城市的印象，蒙太奇式的排列融合了他对这座沿海城市的过去与当下的感知。层叠的碎片与对比性技法既唤醒了私密记忆，也呼应了社交媒体时代的视觉逻辑，在瞬间感知与深层沉思之间建立起微妙张力。画面中多变的尺幅、丰富的肌理笔触以及不协调的色彩碰撞，映射出青岛中西交融的文化特质。赵刚通过这些交织的视觉叙事，勾勒出流动的空间与身份意识，同时追索历史事件、文化交流与个人经验之间错综复杂的关系，体现出其广阔而多层次的艺术实践。“这些拼贴作品是无意间的组合，但它会给你不同的故事、不同的情绪。其实拼贴就是讲一个故事，你可以自己想象他们之间逻辑的连续性。”
德克斯特·达尔伍德是近三十余年来公认的当代历史绘画大师。他对过去艺术流派的深刻理解与参考，已经演变成了一种独具特色的个人风格：他不拘泥于具象艺术的传统，而更倾向于荒芜不定的空间感、变幻莫测的尺度和压缩的画面。达尔伍德的绘画建构于广阔的艺术史背景，堆叠了层次复杂的创作思路，应用于各种正在进行的研究。他理解时间与记忆的重要性，并将其作为创造新时代图像的基石。
达尔伍德表示：“我一直认为，作为一个具象画家，关键是就不同主题展开创作的能力。我一直对历史、文学、诗歌和音乐史很感兴趣，特别是来自20世纪的，和陪伴我成长的……在当下去观看一幅画时，在我观察它的表面，探索艺术家的意图时，我也在思考观众会如何接收眼前这个被称为绘画的事物，我思索那些让我感兴趣的艺术家是如何看待这个问题的，他们是如何挑战观众去思考：我在看什么？为什么我现在要看它？这到底是什么？而不是关注它的重要性。作为一个处于21世纪的观众，为什么这东西引起了我的兴趣，让我想要看它？”
“在《2059 (刀)》中，一把餐刀置于厨房桌面意在描绘一个‘时间流逝’存在不同意义的未来，例如，历经年岁洗礼的家具比新品更受珍视，而某些人造物品能经受得起时间考验而存续……《倾盆大雨》(Hard) 和《光》(Lux) 都刻画了车厢内部的视角。车厢空间常出现在充满情感张力的电影场景中，营造出代表内心情绪的弥漫性氛围，也是我作品中反复出现的主题之一，因为这类题材在绘画史上甚少被刻画。”
范·海诺斯绘画手法不拘泥于特定的创作方式或模式。从风景画到肖像画，他的创作超越了具象或抽象范畴，而在更高的层面上驾驭知觉的转变和主题的改变。海诺斯试图探索人类思想和经验中的巨大可能性，他的绘画可以被视作对摄影照片细致入微的油画演绎，精湛的技巧为作品渲染了一层摄影一般的效果，亦或是一种脱俗而抽象的融合物，充斥着艺术家对过往的观察和沉思，同时蕴含艺术家对其他画作或主题的联想，并在此之上叠加了多层的深刻含义。
海诺斯表示：“《凯拉的手》(Kyra’s Hand, 2017) 和《救护车》(The Ambulance, 2023) 两者之间的明显关联在于画中的“手”。在刻画手部时，我可以赋予它一种视觉风格，它可以充满情感和拟人化。除此之外，贯穿这两件作品的另一条主线是我尝试捕捉影棚摄影 (studio photography) 的精髓。《凯拉的手》有一种摄影感，画中的手看似造型摆拍……其中的光线也控制的恰到好处。光也是贯穿我作品的另一个主题。《救护车》描绘的是我在维也纳生活期间、每天往返工作室都会经过的一个地方。一天晚上碰巧一辆救护车经过，在灯车照亮之下，这处地方以我未曾见过的方式呈现在我眼前。于是我多次回到那里，希望再次碰上救护车路过，并成功拍到了照片。《救护车》中也有影棚摄影的元素，即窗户里的图像。画面中的第二道光线是来自救护车的蓝光，它为看似摄影的画作增添绘画感，令作品呈现出笔触感，也令其中的印记看起来只在绘画媒介才独有；我还自创了不同工具来勾勒不同的印记，包括点阵网格。画面中还有一些模糊的图像，包括加油站和救护车，共同构建出多重绘画平面。”
“在创作的尾声，我脑子里有三个不同的角色——营造冥想空间的画家、做重要决定的编辑，及总揽全局的管理者。与创作初期相比，创作尾声的巧妙之处在于，此刻我能同时驾驭三种乃至更多角色。起初阶段我像一个充满好奇的孩童，而在画作完成时，我更像是一个实现孩子想象的成人。绘画正是探索历程、诠释经过的方式。”
